L'Âge d'or de la pub

从70年代的最佳新人到80年代的流行偶像，乔治·迈克尔和安德鲁·瑞吉里通过档案采访和影像资料，回顾威猛乐队的音乐生涯。

这不仅仅是一部史上最伟大的音乐会电影，本片更是一次对美国摇滚乐黄金时代既狂热又深怀悼意的总结。1976年感恩节，马丁·斯科塞斯受邀记录传奇乐队“乐队”在旧金山冬季宫舞厅的告别演出，由此构思出一种全新的音乐纪录片形式。他集结了七位摄影师（由摄影指导迈克尔·查普曼领衔，还包括著名电影摄影师维尔莫斯·日格蒙德与拉兹洛·科瓦奇），并邀请美术指导鲍里斯·莱文设计极具戏剧张力的舞台布景，斯科塞斯打造出一场宏大而沉浸的体验，将观众带上舞台，引入音乐的内核之中。那些由“乐队”与一众定义时代的艺术家——包括鲍勃·迪伦、琼尼·米歇尔、范·莫里森、斯泰普尔合唱团、马迪·沃特斯及尼尔·杨——所演绎的音乐，至今依然回响，宛如对摇滚乐超越性可能的一种近乎信仰的宣示。

鉴于卢米埃尔兄弟发明的摄影机拍摄的早期短片多年来一直没有很好的修复版本，卢米埃尔学会于2013年起与法国电影资料馆、法国闪电集团、意大利博洛尼亚修复实验室等多家机构联合对卢米埃尔摄影机拍摄150部左右的影片进行4k分辨率的扫描修复。

由传奇音响设计师和富有远见的电影制作人讲述电影音效的历史。

从1960年代纽约地下文化那浮华、低俗与狂热创造力交织的混沌之渊中崛起，“地下丝绒”乐队以其实验性与艺术破坏性摇滚的融合——既粗粝又崇高——重新定义了音乐。托德·海因斯在这部万花筒般的纪录片中，鲜活地唤醒了那个炽热的世界：两位灵魂人物卢·里德与约翰·凯尔的创作原点、安迪·沃霍尔传奇的“工厂”，以及推动乐队最终亦将其吞噬的流行与前卫艺术之间的爆裂张力。未曾面世的演出片段、访谈、稀有录音，以及当年实验电影场景中令人震撼的影像传递，共同交织成一场声音与画面的迷醉漩涡。这部影片之于传统音乐纪录片，正如地下丝绒乐队之于摇滚乐：一场彻底的革命。[标准收藏]

记录许多着名摄影师的访谈，畅谈他们对摄影的看法，以及他们在参与拍摄电影过程，与各个导演合作的经验。片中并穿插经典片段，对映摄影师的说法，让一般观眾能更了解摄影师的工作与贡献。 　　严格来说，这并不是一部电影，应该说是“关于电影的纪录片”更合适。在这部电影中 ，我们也能发现以上介绍过的多部影片。例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。 　　从某种意义上说，是导演控制摄影师的拍摄手法。例如，《Rosemary's Baby》的导演Roman Polanski，在接受采访时多次提到，有时仅仅需要将摄像机多移动几个厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的导演Conrad Hall，在1967年接受采访时，提到当年是如何选择并搭建了一个牢房，里面囚禁的是Robert Blake扮演的杀人犯，他即将走上绞刑架。雨水不停地打在铁窗上。Hall发现，如果摄像机放在某个特定的角度，雨滴的阴影看上去像Blake脸上的泪水。这个镜头后来成了影院中的催泪弹。 　　这部电影由数百个电影片段组成。影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。而静态摄影师也将从中获益匪浅。这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。 　　这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。第二部分是带旁白的黑白电影时期。第三部分是彩色电影时期。影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。

Sparks乐队由拉塞尔·梅尔、罗恩·梅尔两兄弟于1972年创立。该片记录了Sparks乐队几十年的职业生涯和影响力。

20世纪40至50年代，美国政府发布了一系列宣传片，旨在让美国民众相信原子弹不会对他们的生活构成威胁。本片是这些宣传片的一个选集。整部《原子咖啡厅》可说是美国政府对人民说过的关于原子弹的谎言大全，如今看来，政府的无知和愚民手法，一方面让人好笑，一方面也提醒观众，不要太信赖官方说法。